woensdag 21 november 2018

Old SVE Interview

SHARON VAN ETTEN: A JOURNEY OF LOVE AND SELF-ACCEPTANCE
“It’s real love…real pain, you know?” - Sharon van Etten

Words by Jasper Willems
Video + Images by Margarita Kouvatsou

Wherever Sharon van Etten sets foot, she always keeps things light and fun. She does so inconspicuously, never trying to be the center of attention. During an obligatory press day in Amsterdam, we find her skipping vivaciously across the lobby of Hotel Vondel. In between interviews and shoots, she poses stone-faced with a scruffy old dog for a picture (like some kind of C.M. Coolidge outtake), makes fun of her non-matching socks with band member Heather Broderick and tends to the publicists, photographers and journalists to see how they’re holding up. Indeed, Sharon van Etten is a compassionate, self-effacing and outright charming human being. However, there is always a downcast, world-weary aura surrounding her. It’s almost as if she’s constantly encumbered by her emotional baggage. 

Sharon van Etten was born February 26, 1981 in Clinton, New Jersey, ultimately spending most of her childhood in Nutley and Clinton. She is the middle child of a big household, with two brothers and two sisters. Her parents are big music heads, playing records around the house and taking Sharon and her siblings to many live shows. Sharon once described herself as an introverted child who had trouble communicating and expressing her feelings. One day, her mother gave her a notebook to help harness her thoughts, feelings and dreams. While Van Etten sang choir and studied clarinet, violin and piano at an early age, she only started avidly writing music after teaching herself to play guitar during high school. She later attended Middle Tennessee State University to study music recording, only to drop out after her freshman year. Her first recordings were all hand-made and self-released; she connected to her audience by sending a personal note of gratitude with each record she sold.

Van Etten, now in her early thirties, calls herself a late bloomer: she has started to get a grasp on what she demanded out of herself in her twenties. Sharon: “When you first leave high school and you’re going to college, you feel like you’re making a good decision in life. But then at school you’re out, you left your family. You start this whole other life. But it’s the same thing when you’re in your thirties. You’re supposed to have this career, make money. Or whether or not you want to start a family at a certain age. There’s a lot of dark stuff that you have to decide, especially for a woman, in that small amount of time. So you have to ask yourself these questions…or else you’re going to have regrets.”

Her first album, Because I Was In Love (2009), was released on Language of Stone and distributed by Drag City. The album documented a tumultuous long-term relationship; then-boyfriend wasn’t supportive of her dreams of pursuing a career in music, diverting her to perform open mics and shows in secret. Most people would be discouraged after such an ordeal: the dream becomes a tainted, foolish endeavor. Thankfully, Sharon van Etten sits here today, with her fourth studio LP Are We There slated for release, with no regrets. 

“Everything is going to be okay”, she diligently answers, when asked what she would tell her five-year-younger self. “In these moments, where you feel like there is nobody…to have one person just be there. I wouldn’t change anything I have done, because I wouldn’t be who I am today. And I’ve come a long way. I’ve been doing some crazy things! Though I wish certain things wouldn’t have happened, if I had a time travel machine, I wouldn’t change them.” 

We’ve come to know Sharon van Etten as a confessional songwriter, whose otherworldly Elysian outcries triumphantly mediate the earthly human struggles from within. Over the past ten years, the sleepy-eyed songstress has refined her craft: 2010’s epic introduced a wider audience to her music. Purposely spelling its gaudy title without a capital E was a self-deprecating, yet powerful statement: it aptly summarized Van Etten’s knee-jerk sense of humor as well as her forceful MO as a recording artist.

Piecemealing her way to notoriety, Sharon found many friends and collaborators within Brooklyn’s vibrant alternative music scene along the way. People like The Antlers’s Peter Silberman, who she met via MySpace, or TV On The Radio’s Kyp Malone, who booked Van Etten’s first shows when Sharon handed him one of her homemade cd’s after a show.

For several years now, Van Etten has been part of a tight-knit community of artists avidly collaborating with one another, almost like a set of cogwheels spinning together. Before mapping out her music career, Sharon began working as a publicist and tour manager. Jobs that require some hefty people skills and taking the crux of responsibility for a group of musicians. Her friend Jonathan Meiburg of Shearwater once said, “You know Sharon will take care of you, no matter what.” 

Many of Sharon’s befriended peers now collaborate and/or perform with her. Meiburg appears on the new album, as well as Adam Granduciel (The War On Drugs), Jana Hunter (Lower Dens), Mackenzie Scott (Torres) and Heather’s equally prodigal sibling, Peter Broderick. Joining her live band is Brad Cook (Megafaun) on bass and Darren Jessee (Ben Folds Five, Hotel Lights) on drums, with Doug Keith (guitar) and Heather Broderick (keys) returning. “It’s going to be a new energy…that’ll be fun!” she rejoices. “I have never toured as a five-piece before and I don’t play a lot of guitar on this record.”

Van Etten deeply values the collaborative aspect, bringing other musicians with different mentalities and skill sets into play. “Especially nowadays in New York, because it’s getting harder and harder for people to live there. So you have to work more and more. And with our line of work, we’re not home most of the time. So we find an excuse to hang out by working together. I call it ‘highway hi-fiving!” says Sharon, laughing. “You see most of your friends in another country as opposed to your own home! I think the scene is constantly changing; if you don’t keep nurturing it, it’s going to go away. People are going to stop caring.”

There could be a flipside to these prolific creative endeavors. A constant impetus to stay productive and creative - whether you are up to it or not - may not be healthy in the long term. “Right, I know…that’s the question, right? At what point in your life do you say, ‘I’m at a good place to stop?’ But your contract says you have to come up with a record every two years. It says you should tour a record for a year and a half if you want to hit all these regions. There are all these unspoken rules in order to have a presence: to get your name out, to have people see you perform and buy your record. You have to nurture that as well. I wouldn’t be happy if I wasn’t working, because it’s also my therapy. It makes me feel better. If I wasn’t singing, I wouldn’t be a happy person. I need that outlet.”

2012’s Tramp, her first release on Bloomington, Indiana’s renowned Jagjaguwar-label, featured many guest musicians, including The National’s Aaron Dessner, Beirut’s Zach Condon and Wye Oak’s Jenn Wasner. Once again, the album’s succinct, dubious title hit a nerve. To a touring musician the word “tramp” sounds kind of romantic; yet to a female living in New York it comes off as rather disparaging. The album felt like a slap of reality in the face - as well as yet another acerbic point-and-laugh to herself, drawing inspiration from the silent films of Charlie Chaplin. Foolhardily juggling both her career as touring musician and her inner circle spawned tenuous, complicated situations, leaving Van Etten with some inner turmoil to address. She confesses that ‘Give Out’ was written about the first person that did listen to her.

“That was when I just decided to move to New York to pursue music. I had a job working at a wine store called Astor Wines in Manhattan. I went through playing open mics to playing small bars. Playing for a crowd of about five people…or a bar filled with drunk people that didn’t even know I was playing! I played all these kinds of places, all while I was still figuring things out. But I knew I wanted to do this…I just didn’t know how yet. So that’s how we met: I played at a bar where he used to work. It was one of my first shows in New York. He was the only one in the room listening. I was pretty young, around twenty-three, twenty-four. I never lived in a big city before at that point.” 

Moving from Tennessee’s pastoral terra firma to buzzing upstate New York left Sharon disillusioned, yet determined to find her vernacular as an artist. “I had severe social anxiety at the time. I couldn’t look people in the eye. I was having panic attacks…freak outs! I’d get so nervous. I didn’t know how to meet people…when I first moved there I was just a kid.” She underlines that she can still recall what she specifically felt at the time by listening to her old recordings. “I had an apartment on Broadway and Marcy, there was an above ground train right by my window. You can hear that train in a lot of my recordings. When I hear the early stuff, when I hear that train…I think about the time ten years ago…you know, just making computer recordings in my bedroom! You could just hear the screech of the train every fifteen minutes.”

She tells a story about a show at a Brooklyn venue called Zebulon, one that marked a turning point for her as a performing musician. “It was owned by two amazing French guys, Joce and Jef. They were the first to take me under their wing. They let me curate my own night once a month. When I first started out my friends came, and they had regulars come in. It was just one of those things where more and more people started coming. I was still playing solo shows and one day, I remember I got really teary-eyed mid-song. I suddenly noticed how quiet everyone was. A whole room full of people..even the bartenders stopped working as I was playing. When I noticed no one did anything…it had an effect on me. People were listening. After five years of doing acoustic shows…I never had that moment. When I felt that..it was kind of intense!” 

As she gradually embraced playing electric guitar, Sharon moved into a cheap apartment in Bushwick, which conveniently had an underground basement for her to practice in. “I remember that feeling of finally being able to play loud.”, she adds. “Then I moved out further south of Brooklyn, because even Bushwick got too dicey. I mean, someone got shot in front of my building. I was like, this is not worth it anymore. It’s affordable, cool…but I don’t wanna be in danger, you know? As a young female, you don’t want to walk around there alone at night. With what I do, I’d often come home really late.”

Between recording sessions for Tramp with Aaron Dessner, Van Etten found herself essentially homeless, forced to scatter her belongings and crash with friends, family and acquaintances. Eventually she moved in with her boyfriend. “That’s when I started writing all these songs on the Omnichord, so when I’d hear those demo’s again, I remember Heather (Broderick) giving that to me to learn ‘Magic Chords’ live. When I learned how to play that song live, I brought it home with me, and it became a new writing tool.” 

The omnichord (a handheld synthesizer designed by Suzuki in 1981 as an electronic counterpart to the autoharp) is featured in various songs on Are We There, including the brooding lead single ‘Taking Chances' (featured in session below) and the incredibly moving, candid guilt trip 'Our Love.' On the latter, Sharon’s faux-wistful, analgesic falsetto halfheartedly spitshines a falling out between two lovers. It’s a song exemplary of how far Sharon has come along as a songsmith, boldly threading the needle between hope and hopelessness within the most concise of moments. 

Instead of falling back towards ambiguity, Sharon has shed yet another layer. “It’s the least censored I’ve been with myself, without saying names, telling when I wrote it, why I wrote it and where I was. But it’s still very open and vulnerable.” ‘Break Me’ and ‘I Know’ even shatter the fourth wall, Mark Kozelek-style. “I sing about my love and fear and what it brings,” she pronounces in the latter.

Are We There…it’s a title that lingers. It’s as if Van Etten merely has a slim read on the cards she’s holding. “The theme of this recording is about balancing a relationship with trying to have a career. Some people think it’s just love songs. Are We There is about something that’s very current, about the last year or two of my life. My previous records had me looking back and reflecting on it.” Even after Tramp garnered her definitive acclaim from fans and press alike, Sharon still struggles to maintain her amazing balancing act. Unlike her previous albums, Are We There isn’t a reconciliation with her past: she is still living the album as we speak.

“This is still happening,” she exclaims, visibly sullen.

“That’s one of the worst you know, you’re losing your boyfriend after ten years because you’re touring nine months a year? Is it worth it? I don’t know.” Suddenly, the usual chirpy, affable Van Etten withers into doldrums. “I’m still learning how to talk about this, because it’s still fresh.” She stops and pauses. “It’s real love…real pain, you know?” 

Despite the conundrum she found herself in, she calls Are We There the record she’s most proud of. It’s a brave, no frills document that, much like her first album, Because I Was In Love, feels like the listener is right there looking over the singer’s shoulder - relating to her words like the tiny angels and devils you see in cartoons - as she stands in the crossfire between unconditional love and self-acceptance. “Don’t get me wrong, I’m scared to play these songs live,” Sharon laughs. “I’m probably going to be crying in the room with some of these songs, being super emo! But really, I’m proud of these songs, but they’ll be so hard to do!” 

It’s a textbook example of the candor Brene Brown expressed in her well-known TED Talk on the power of vulnerability; briefly, that the thing that underpins our personal shame is excruciating vulnerability and that, in order for connection to happen, we have to allow our true selves to be seen. 

After bringing it up, Van Etten acknowledges watching it: “That one made me cry!” She definitely makes her own pledge with the ascending ‘Afraid Of Nothing,’ only to turn over the remaining stones with roll-of-the-credits tearjerker Every Time The Sun Comes Up. Lyrics like ‘I washed your dishes but I shit in your bathroom’ epitomize the empowering ability of being vulnerable, especially for a woman—seeing that women are generally subjected to more scrutiny concerning image and archetypes than men.

Van Etten rightfully calls ‘Your Love Is Killing Me’ ‘the Beast,’ its languid semi-heroic organ motif marching straight into a barrage of poison arrows. “That was a scratch vocal too,” she recalls. “I tried redoing it, properly. I tried re-tracking and isolating it, but it didn’t move me. So I used this one where you kind of hear it clipping a bit. It was the best take.”

Van Etten fulfills her penchant for penning songs with exotic backdrops: in this case Tarifa, a densely populated village at the utmost edge of Spanish region Gilbraltar - the most southern point of Europe. “My boyfriend flew over to Barcelona after we finished playing Primavera. We rented a car and drove down the coast, and stayed in Tarifa for ten days.” A fond ten days, as she reminisces: “It was the most at peace I have ever seen him, I think. I had never seen him this happy.”

While the words Are We There might still linger, hopefully Sharon van Etten takes comfort in knowing that anyone can capture a powerful image at any moment, ignorant of its eventual meaning or destination. Nothing encapsulates this more than a picture she took right before embarking on her musical journey, which would eventually find its way on the album cover.

“It’s my friend Rebecca, who did the artwork for the first two records. I took this picture when I moved back to New Jersey with my parents, where I was taking photography classes. I went back to visit her in Tennessee to tie up some loose ends. She was about to move to Indiana with her family and I was about to move to New York. It was the last time we got to hang out before she moved. She has two kids and got married. It used to be our tradition when we worked at a bookstore together, we’d get off work and get a couple of coca cola’s, a pack of cigarettes and just play music while driving across the Tennessee countryside. We’d sing a lot… and take turns screaming out the window. It’s a picture of Rebecca screaming out of the window on that last day…

But also, it was the first photograph I gave my boyfriend, ten years ago. We were on-and-off during those ten years. Whenever I went over to his house over the years I never saw it again. So I assumed that during an ‘off-time’ he threw it away or something. When I moved in with him last year, during the recording of Are We There, I caught him cleaning out the apartment, purging to make space for me. He pulls this pile up from under his bed with everything I have ever given him. Postcards, letters, photographs, cds, early demos. But also this photograph…covered in dust. It summed up exactly where we were in our relationship at the time.”

When asked if this was the only picture, Sharon responds, “At the time it was just so emotive, (Rebecca) was my best friend. I gave my boyfriend two pictures: one was of a pile of trash against a brick wall with graffiti that said ‘profound.’ She snickers. “So…I gave him something beautiful and something silly.”

Sharon firmly nods. “It kind of sums me up. I’m heavy…but I’m also a total joker.”


Are We There is slated for release May 26 on Jagjaguwar.

donderdag 1 maart 2018

UMO Kicking the Habit 2015


UNKNOWN MORTAL ORCHESTRA: ALLE SCHUIFREGELAARS OP LIEFDE


Het nieuwe, derde Unknown Mortal Orchestra-album Multi-Love is een rijk fluorescerende liefdesplaat geworden, die barstensvol zit met futuristische funk, glijdende R&B en opzwepende disco. Het album belichaamt een behoorlijke ommekeer voor Ruban Nielson (35). De Nieuw-Zeelander opende zijn beklemmende vorige album II met de woorden "Isolation can put a gun in your hand". In plaats van zichzelf te isoleren in eenzaamheid en verdovende middelen, tackelt hij op Multi-Love zijn problemen door alle schuifregelaars open te gooien op standje 'Liefde'. "Ik denk dat achter iedere relatie een leerproces zit."
De titel Multi-Love voelt als een radicaal larger than life-statement, dat het beeld van een doorsnee liefdesplaat met klassieke man-vrouw rolverdeling ver overstijgt. "Where's your God/She don't want to be man or woman/She wants to be your love", zingt Nielson met zijn herkenbare iele falsetstem in het titelnummer.
Multi-Love klinkt over de gehele linie ongegeneerd levenslustig, als een soort dubbele regenboog verspreid over negen liedjes. Door de plotse doorbraak met tweede album II beschikte Nielson dit keer over een groter budget. In plaats van dat geld te besteden aan een goede producer, besloot hij hevig te investeren in nieuwe apparatuur.
"Ik raakte op gegeven moment compleet geobsedeerd met het bouwen van mijn eigen apparatuur. Het is beetje een uit de hand gelopen hobby geworden," lacht een goedgemutste Ruban Nielson op een druilerige ochtend in Amsterdam. "Tijdens het maken van II was ik vooral bezig met het ombouwen van gitaren. Vervolgens wilde ik gitaren from scratch bouwen. Tijdens het schrijven van Multi-Love hield ik mij vooral bezig met een effectenpedaaltje dat geluid kan omzetten naar stroom. De frequentie van mijn gitaar werd gekoppeld aan een lichtsignaal in het rooster van mijn versterker, dat - afhangend van wat ik speelde - van kleur veranderde. Meer deed het ook niet. Toch vond ik dat fascinerend, de manier waarop geluid en elektriciteit in feite op dezelfde manier functioneren. Toen die gedachte bij me opkwam, begon ik me verder te verdiepen in oscillators. Al gauw bevond ik me in synthesizerland."
Nielson haalde diverse defecte synthesizers uit elkaar en verving bepaalde onderdelen met oudere varianten, waarbij sommige onderdelen stamden uit periodes waarin het woord 'synthesizer' nog niet eens bestond. Lang verhaal kort: Nielsons vingerafdrukken zijn letterlijk overal op het album terug te horen. Sterker nog, zijn hele familie heeft een hand in de totstandkoming van Multi-Love. Om even Sly Stone, een van Nielson’s grote helden, te citeren:"It's a family affair."
Whole lotta (multi)love
Op het spaarzame, melancholische II was die openingszin zo bepalend voor de gehele stemming: "Isolation can put a gun in your hand". Nielson legt het belang van zo'n eerste zin uit: "Ik heb sterk de behoefte om extreme gevoelens te uiten in mijn muziek. Volgens mij denk ik zelf ook in pure uitersten. Iedereen had het steeds over die zin, en mensen vroegen zich daardoor steeds af of ik zo'n gekwelde ziel ben. Je moet het juist meer zien als een universele uitdrukking. Op dat moment beleefde ik een dieptepunt, dus gebruikte ik dat gevoel als basis voor het hele album. Multi-Love is daar nog een voorbeeld van. Het is afgeleid van een moment waarop je meer liefde voelt dan je ooit voor mogelijk hield."
De eerste woorden op het derde UMO-album roepen een beduidend ander beeld op: “Multi-Love checked into my heart/and trashed it like a hotelroom"
De in puin geslagen hotelkamer. Daar kiest Ruban Nielson even een heus rocksterren-cliché. "Ik ontwaakte zelf in een smerige hotelkamer toen ik die zin bedacht. De avond daarvoor heb ik zitten feesten en zuipen met een stel mensen," herinnert Nielson zich vaag. “Ik moest toen denken aan een meisje dat ik leerde kennen, waardoor die twee situaties plots naast elkaar kwamen te staan. Mijn hart voelde op dat moment precies als die hotelkamer, compleet in een puinhoop."
Maar waaróm begint Multi-Love met dat typische rockcliché? Nielson: "Als tiener was ik gigantisch fan van Led Zeppelin en Jimmy Page. Vooral ook vanwege het feit dat (Page) gefascineerd was door het occulte. Dat rocksterrenbestaan heeft voor mij altijd een zekere mystiek gehad, zelfs nog voordat ik gitaar leerde spelen. Ik raakte al vroeg in mijn leven ontzettend geïnteresseerd in alles rondom Led Zeppelin en al die eind jaren zestig, begin jaren zeventig rockster-clichés."
Het kan haast geen toeval zijn dat Nielson verwijst naar het tijdperk van de flower power, hallucinerende middelen en vrijmoedig hedonisme. Oftewel, de generatie waar zijn ouders ook vandaan komen. Op zijn negentiende krijgt Nielson zijn eerste gitaar van vader Chris, van beroep jazztrompettist en sessiemuzikant. Zijn moeder is minstens zo muzikaal: een zangeres, pianiste en danseres uit Oahu, Hawaii. Nielson’s ouders ontmoetten elkaar in Los Angeles toen ze samen op tournee gingen met cultzanger John Rowles. Toen de vonk eenmaal aansloeg vertrokken ze naar Auckland, waar ze Nielson en zijn broer Kody grootbrachten.
Muziek was vanzelfsprekend genoeg altijd en overal binnen handbereik, al was het leefmilieu niet altijd even stabiel. Nielson: "Ik voelde me altijd een beetje buitenbeentje, want ik kom vanuit verschillende achtergronden. Maar in plaats van heimwee te hebben, probeer ik me overal even thuis te voelen. Het is beter om er op deze manier naar te kijken. Ik ervaar het nu als iets positiefs." Als prille twintigers begonnen Kody en Ruban de punkband The Mint Chicks, maar in tien jaar tijd kreeg de band nauwelijks voet aan wal buiten de Nieuw-Zeelandse grens. The Mint Chicks implodeerde na een heftige ruzie tussen de twee broers.
Na de breuk van The Mint Chicks keert Nielson zijn ambities in de muziek definitief de rug toe. Hij verhuist met gezin naar Portland, Oregon en neemt daar een baantje als grafisch ontwerper. De jeuk om gitaar te spelen blijft gelukkig: als hobby neemt hij nog fervent nieuwe muziek op. Een liedje dat hij destijds schreef, het funky, super lo-fi opgenomen Ffunny Ffrends, gooit hij op een dag klakkeloos online. Compleet onverwacht schopt het nummer het tot een wereldwijde bloghit. Nielson, nog altijd cynisch, blijft bescheiden onder de aandacht, corresponderend onder een schuilnaam met de belangstellende media. Uitgerekend zijn vrouw overtuigt hem ervan om uit zijn schulp te kruipen en een nieuwe doorstart te maken, dit keer als Unknown Mortal Orchestra.
Zee van bewustzijn
Het archetype rockster dat Nielson eerder aanstipte lijkt sinds het oprichten van UMO een klein beetje achterhaald. Plots is muziek maken een 24/7 baan om zijn gezin mee te onderhouden, geen excuus om zichzelf compleet van de kaart te laten gaan. Toch belandt Nielsons leven vroeg of laat weer op een dwaalspoor, want in die constante roes van spelen en reizen liggen verleidingen als seks en drugs dagelijks op de loer. Nielson: "Het succes overviel me enorm. Maar tot op heden probeer ik mijn leven ook niet bepaald onder controle te houden. Ik zoek constant naar bizarre, interessante ervaringen, situaties die misschien niet per se gezond zijn voor mij. Ik raak dan niet snel geïntimideerd. Het liefst wil ik zien waar sommige situaties naartoe leiden."
Nielson kijkt ons listig aan met zijn typisch ondeugende puppieogen, nonchalant de schouders ophalend. "Geen idee of ik van nature zo ben als persoon, of dat het de muzikant in mij is die zoekt naar inspiratie."
Dat muziek een substantiele, bindende factor is voor de Nielsons, mag je gerust een understatement noemen. "In mijn familie zijn drugsproblemen en muziek de enige twee consistente dingen," relativeert Nielson, met nog een kort verontschuldigend lachje erachteraan. "Ik had een moelijke jeugd. Toen ik opgroeide worstelde mijn vader met drank en drugs. Het was een traumatische ervaring voor me." Na de doorbraak van UMO verslechterde het contact met zowel zijn vader als zijn moeder steeds meer. Nielson sprak zijn moeder op een gegeven moment totaal niet meer.
Nielson: "Ik denk dat er achter iedere relatie een leerproces zit. De meeste drugsverslaafden zijn vaak hele intelligente, gevoelige mensen. De reden waarom ze uiteindelijk verslaafd raken, is omdat ze bepaalde waarheden ondervinden. Voor mij is drugsverslaving - of zelfs depressie, schizofrenie en bi-polaire stoornis - de donkere kant van iets dat eigenlijk heel nuttig is voor de maatschappij. Je hebt gewoon verschillende menselijke toestanden met positieve of negatieve uitwerkingen. In het geval van een negatieve uitwerking is er vaker wel dan niet sprake van miscommunicatie. Ik heb artikelen gelezen die een verband tussen creativiteit en depressie, of bepaalde geestelijke stoornissen, leggen. Er zijn studies die beweren dat mensen als Albert Einstein en Stanley Kubrick 'zogenaamde' stoornissen in de familie hebben, of zelf aan dat soort stoornissen lijden."
Op het afsluitende nummer Puzzles noemt Nielson Einstein opnieuw: "Einstein's brain is kept at Princeton University/please don't ask it questions." Nielson schreef het nummer tijdens de rellen in Ferguson. "Ik woon slechts zeven jaar in Amerika. Hoe meer ik met de Amerikaanse cultuur in aanraking kom, hoe duidelijker het wordt wat mij wel en niet aanstaat. Ik voel me verbonden met de rijke Amerikaanse muziekgeschiedenis, maar veel van de mythes die spelen rondom Amerika zijn complete leugens. Aan die losse eindjes trekken is af en toe best ontnuchterend."
Op Multi-Love ondermijnt UMO verdeeldheid met een overvloed aan liefde, terwijl de verdeeldheid rond het Ferguson-drama doorzette als een vicieuze cirkel: een haatmisdrijf dat escaleerde naar nóg meer rellen, nóg meer leed en nóg meer onrust. "Wanneer een gezagshebbende dat gezag misbruikt, vind ik het niet zozeer vreemd of negatief dat mensen in protest gaan. Soms moet je een WalMart of iets dergelijks slopen om iemands aandacht te trekken. Want zo'n WalMart kost iemand goed geld. Als er überhaupt gerechtigheid was, dan was het niet nodig geweest om zo hevig te demonstreren."
"Is it wrong to have a zone that isn't monochrome?", vraagt Ruban even later in het nummer. "Ik ben afgelopen jaar geïnteresseerd geraakt in biocentrisch altruïsme, het idee dat we allemaal in een zee van bewustzijn zwemmen. Het maakt ons zelfbewust en menselijk, zonder gebonden te zijn aan een godsdienst of politieke ideologie. Ik bedoel, wat als er een rekensom bestaat die ervoor kan zorgen dat wij nooit zullen sterven? Dat lijkt me een technologie die de mensheid kan redden van zichzelf. Om een zwaar onderwerp te noemen: de heilige oorlog tussen Westerse maatschaven ontsproten uit het christendom en de islam. Wat als er een wetenschappelijke manier was om die twee kanten te verenigen?"
Volgens Nielson kun je de nadruk op de overeenkomsten boven geschillen ook betrekken op muziek: "Philip Glass beschrijft zijn muziek als een soort onuitputtelijke rivier waar hij ideetjes uit vist. Iemand als Stevie Wonder zou zijn talent misschien eerder beschrijven als geschenk van God. In feite komt het op precies hetzelfde neer. Je weet niet wat die mysterieuze bron precies is, maar je haalt er dingen uit die groter zijn dan jezelf. Dat je plots een liedje schrijft en denkt: 'wow, heb ík dat gedaan? Zo goed ben ik toch niet?' Het is een spannend idee, zo'n zee van bewustzijn. Liever dat dan een wereld dienend als een groot toneelstuk waarin wij slechts acteurs zijn."
"Ik wil niet in mijn eentje succesvol zijn"
Nielson herstelt op Multi-Love de verbroken relaties met zijn eigen naasten, evenzeer nadruk leggend op overeenkomsten boven de geschillen. Zowel zijn vader als broer Kody (die nu met eigen project Silicon aan de weg timmert) spelen mee op het album. "Samen met mijn vader en mijn broer aan dit album werken is onderdeel geweest van ons gezamenlijke heelproces. Drugs zijn in mijn familie altijd het probleem geweest, en muziek is tot dusver altijd het antwoord. Met muziek communiceren we het beste met elkaar. Ik wil ook niet in mijn eentje succesvol zijn, maar dat succes delen met mijn familie en vrienden. Het blijven communiceren met mensen is voor mij het belangrijkste dat er is. Ik probeer voor iedereen om me heen altijd alles beter te maken."
Ook met zijn moeder heeft Nielson inmiddels weer contact. Ze delen door hun gezamenlijke achtergrond een diepe fascinatie voor de Hawaiiaanse cultuur. Nielson: "In de Hawaiiaanse mythologie bestaat er een halfgod genaamd Mãui die alom bekend staat als bedrieger. In heel veel inheemse culturen heb je dit soort helden. Een persoon met veel talent, maar tegelijkertijd gekweld door veel problemen. En daardoor vaak bezwijkt onder zijn of haar eigen ego."

Die gedachte komt veelvuldig aan bod in een van Nielsons favoriete boeken, The Trickster Makes The World van Lewis Hyde. Hyde beschrijft de bedrieger als een noodzakelijk kwaad. "Ik besef me dat in zo'n beetje alle vormen van cultuur twee soorten helden zijn. Het Jezusfiguur, de onschendbare macht en absolute belichaming van al het goede. En de bedrieger, die ondanks persoonlijke tekortkomingen toch mensenlevens op een positieve manier beïnvloedt." Multi-Love brengt zowel de bedrieger als het Jezusfiguur op een dezelfde golflengte. Op Like Acid Rain schetst Nielson Jezus zelf als bedriegende drugsdealer ("Jesus doesn't know my name/He charge me fifty bucks a gram").
Wat dat betreft gooit Nielson liever zijn vuile was op straat dan dat hij een zich voordoet als schijnheilige goedzak. "Ik voel me verplicht aan mensen die mijn platen kopen en mijn shows bezoeken om in mijn muziek een zo authentiek mogelijk beeld van mezelf te schetsen. Die verplichting voel ik voor mezelf nog meer, want ik wil graag mijn leven in kaart brengen voor mijn twee kinderen. Ik wil dat ze later begrijpen wie ik precies ben. Daarom heb ik deze tattoo laten zetten..." Hij trekt zijn kraag eventjes omlaag om de opvallende tatoeage, een groot oog onder zijn nek, te laten zien. "Als iemand niet met mij wil praten omdat hij mijn tatoeage afschrikwekkend vindt, is dat is een eigen keuze. Ik denk precies zo over mijn muziek. Ik zoek geen sympathie door mezelf te projecteren als iets wat ik niet ben."
Waarom ook niet? Nielson's grote muzikale voorbeelden, Sly Stone, Kurt Cobain, en ja, ook Jimmy Page, maakten er soms net zo goed een grote puinhoop van. "Vroeger liet ik mezelf toe om mijn helden te bewonderen. Ik dacht van jongs af aan dat mijn helden perfect moesten zijn. Nu is dat niet meer zo. Mijn leven ervaar ik nu als een groot proces. Ik wil beter en beter worden, maar zodra ik de fout in ga voel ik me minder snel schuldig. Ik laat mezelf toe om fouten te maken… Wacht, laat ik het zo zeggen: ik laat mezelf juist niet toe om fouten te maken, maar voor wie een boeiend leven wil lijden, gaan dingen niet altijd volgens plan."
Acceptatie
Wat is nu het verhaal achter het meisje waar Nielson aan moest denken in die smerige hotelkamer? Is Nielson niet gelukkig getrouwd? Het blijkt dat Nielson en zijn vrouw afgelopen jaar verwikkeld waren in een intense liefdesdriekhoek. In deze Pitchfork-longread vertelt Nielson er uitgebreid over, hoe drie hopeloos verliefde mensen een jaar lang samen optrokken. Nielson ontmoette een 18-jarig meisje in Tokyo, zij zocht via social media weer contact met Nielson’s vrouw Jenny. En zo geschiedde. Een bizarre situatie natuurlijk, desalniettemin eentje met een (naar eigen zeggen) positieve uitwerking. Jenny, die hem eerder al overtuigde verder te gaan als UMO, droeg deze 'multi-relatie' min of meer aan.
Nielson kan soms niet geloven dat zijn vrouw zijn persoonlijke gebreken niet alleen accepteert, maar juist ook omarmt. "Mijn vrouw tolereert mij in periodes waarin ik mij compleet egocentrisch gedraag. Soms vraag ik me af waarom ze geen makkelijker persoon heeft gekozen om mee samen te leven. Ze heeft ongekend veel geduld voor mij, en ze gunt me voldoende ruimte om dingen een plek te kunnen geven. Ik denk we daarom samen gelukkig kunnen blijven. Volgens mij koos ze voor mij, omdat ze, net als ik, wil zien waar het avontuur strandt. We leiden samen een behoorlijk interessant leven, al zeg ik het zelf."
"Ik denk dat zij het ergens wel amusant vindt…", gaat hij verder. "…het feit dat ik zo neurotisch om mijn eigen as blijf cirkelen. Soms voel ik me meer haar huisdier dan haar man, iemand die ze kan vertroetelen en zo nu en dan in het wild mag loslaten. Ik voel mij best gezegend. Aan de andere kant, de meeste mensen die ik ken behandel ik precies hetzelfde. Mijn vriendenkring bestaat uit figuren met ontzettend veel problemen, maar ze zijn het ondanks dat waard om als individu te leren kennen. Dát zijn precies het soort mensen met wie ik de rest van mijn leven wil delen. Zij kleuren het leven tenminste nog op een bijzondere manier in."
Multi-Love verschijnt op 25 mei bij Jagjaguwar/Konkurrent en op dezelfde avond staat Unknown Mortal Orchestra in het Amsterdamse Bitterzoet. Silicon, de band van Ruban Nielson's broer Kody, zal op deze avond het voorprogramma verzorgen. In de zomer staat UMO op het Valkhof Festival, op 20 september in TivoliVredenburg.